9. PINTURA ABSTRACTA Y ENSEÑANZA DEL DISEÑO

La enseñanza del diseño y la pintura abstracta nacieron a la vez. En Europa, segunda década del siglo XX.

Hombre, diréis ¿no fue en esa década la terrible Primera Guerra Mundial (1914-1919)?

Pues sí, así es. A veces los grandes cataclismos anuncian grandes alumbramientos. No es cuestión de precisar mucho, porque los cambios sociales no son como los nacimientos de la personas. No suceden en un día. La pintura ya venía haciéndose poco a poco abstracta desde comienzos de siglo, y de un modo u otro a diseñar siempre se ha enseñado, pero el hecho de fundar una nueva escuela de diseño en 1919 y que en ella dieran clase los “inventores de la pintura abstracta”, es decir, de juntar lo uno con lo otro, dan a esa década y a ese año una gran importancia simbólica. Por precisar un poco más dejaré dicho que Paul Klee se incorporó a la Bauhaus en 1920 y Kandinsky en 1922.

Para tener una idea de lo que fue la Bauhaus, una visita a la wiki no estaría mal
aunque en Historia del Diseño del siglo XX se os dará una información mucho más detallada y estructurada.

De momento y desde la asignatura de Composición no estará de más familiarizarse con algunos de los personajes de aquella escuela (conocer tan siquiera sus nombres y ver sus fotos), y mencionar los ejercicios de composición propuestos por Wassily Kandinski y recogidos en el libro PUNTO Y LINEA SOBRE EL PLANO, o los trabajos de Joseph Albers y su tratado sobre LA INTERACCION DEL COLOR.

8. TIEMPO Y FASES DE LA CREACION EN UN TRABAJO DE APRENDIZAJE EN LA ESCUELA

El tiempo oficial lo fija la fecha de entrega, y la intensidad "oficial" la carga crediticia. Luego, cada cual se organiza la vida como quiera.

Fijo una semana de plazo y 0,5 ECTS para la creación/composición de una portada, es decir, una semana de tiempo y doce/quince horas de trabajo.

Es importante entender que los trabajos de creación nunca son como los trabajos manuales. Cuando se está gestando algo no hay descanso. Cualquier estímulo exterior puede ser la chispa de inspiración. A veces, incluso, podemos aprovechar hasta los sueños. Un trabajo de creación es como un embarazo. Por eso es conveniente hablar siempre de los dos tiempos: el del plazo de entrega y el del “crédito oficial”. El trabajo de mesa (las 12/15 horas) y el tiempo de tensión, la semana.

En todo caso y para no perderse en el tiempo (o los tiempos) es fundamental saber la fase en que estamos trabajando.

A grosso modo un trabajo de creación se divide en cuatro fases que hay que interiorizar, o dicho de otro modo, de las que hay que ser más o menos consciente.

Recibir el encargo, analizarlo e investigar sobre experiencias similares sería lo primero a hacer. Démonos un par de horas para ello, por ejemplo, y hasta trabajemos en grupo compartiendo nuestros descubrimientos con los compañeros.

Luego viene la fase de BUSQUEDA DE UNA IDEA, o la SELECCIÓN DE ELEMENTOS, algo tan mágico y misterioso sobre lo que mejor no hablar mucho de momento. Lo único, eso sí, decir que no debe durar más allá de la mitad del tiempo asignado para todo el trabajo.

Porque una vez que hemos dado con una idea, lo más importante en todo trabajo de creación es el DESARROLLO de la idea, su concreción, perfeccionamiento, su depuración, su embellecimiento. Ese llevar las cosas a su sitio que es la esencia de toda COMPOSICION.

Lo último de todo, y no lo primero, es la ejecución simple y llana del trabajo. No nos debe de llevar más de una o dos horas. Cuanto menos nos cueste hacer al final la portada, mejor. Eso significa que hemos hecho bien las tres fases anteriores.

7. DIBUJO CON ORDENADOR

Ya llevan los ordenadores en la Escuela más de una década y todavía nadie ha dado un nombre apropiado a las asignaturas en que se enseña su manejo. Los que ponen nombre a las asignaturas parecen aún embobados con la herramienta sin tener muy clara su utilidad. Sólo en los cursos monográficos aparece directamente el nombre de los programas o aplicaciones, esa pieza o herramienta intermedia entre el ordenador y su uso concreto.

En las enseñanzas de Diseño llegaron a denominarse "Diseño asistido por ordenador". Por la misma regla de tres, al tradicional "Dibujo Artístico" que se imparte en estas enseñanzas, debería habérsele llamado "Diseño asistido por lápiz". O al tradicional Dibujo Técnico que se impartía, "Diseño asistido por paralex, cartabón y escuadra".

Aquellas tentativas primerizas del gran Christopher Alexander (Ensayo sobre la síntesis de la forma) por hacer efectivamente diseño con ordenador, es decir, por darle al ordenador los listados de necesidades, los datos del lugar, las técnicas dsiponibles, etc, para que resolviera un diseño, no prosperaron en modo alguno, por lo que decir aún Diseño Asistido por Ordenador significa saltarse el paso del Dibujo.

Seamos pues modestos y llamemos DIBUJO CON ORDENADOR a esas asignaturas que vienen a ocupar el espacio del tradicional DIBUJO TECNICO. Y no seamos remilgados a la hora de nombrar los programas informáticos de empresas concretas que hacen que los ordenadores dibujen nuestros diseños, sean SKECHT UP, AUTOCAD, o 3D ESTUDIO. Porque es el manejo de esos programas lo que se enseña en las aulas y no otra cosa. Sin olvidar que antes que la herramienta o su aplicación, lo que se enseña es el DIBUJO.

6. COMPOSICION

Empezaremos por una definición sencilla: componer no es otra cosa que poner unas cosas con otras, o una o varias cosas en un marco dado.

A esas cosas, seas las que fueren, les llamaremos ELEMENTOS DE COMPOSICION (que en algunos programas de estudios es el título de la asignatura previa a Proyectos).

La definición queda incompleta si no se dice que el objetivo de componer es lograr la ARMONIA visual entre las partes que se componen y lograr UN TODO. De ahí que el fundamento de toda composición sea la UNIDAD y el EQUILIBRIO, y como dicen algunos tratadistas, que se llegue a la sensación de que nada falte y nada sobre, y que si se quita o se pone algo más en una buena composición, la unidad y el equilibrio podrían llegar a resentirse.

Para entender lo que es composición podríamos pensar en su opuesto, la descomposición (palabra que en castellano alude a algo tan orgánico y humano como el el mal de vientre, o sea ¡la cagalera! ah). O también podemos pensar en lo opuesto a la unidad y el equilibrio, es decir en la tensión, el desorden, el caos.

Cabría hacer aquí una relación ética o moral entre Composición y BIEN y Descomposición y MAL. Pero eso de momento vamos a dejarlo en segundo plano para no complicarnos demasiado.

¿Cómo se consigue la Unidad entre partes? Pues buscando relaciones entre unas y otras. Podemos hablar de unidad de estilo, unidad cromática, unidad de técnicas, materiales, etc. Pero conviene empezar a aprender Composición analizando y entendiendo la UNIDAD GEOMETRICA que proporcionan los marcos de composición, su centro y sus ejes. Es decir, hablando de COMPOSICION EN y analizando el MARCO.

5. LINEAS FINAS CON REGLA

Del miedo a hacer líneas continuas a mano alzada se pasa a la seguridad que da el uso de la regla. Es curioso. A la hora de dibujar con el paralex las pautas para hacer rotulación, hay que estar constantemente diciendo a los alumnos que no dibujen vías de tren, sino unas simples guías muy finas (porque además ¡hay que borrarlas luego!). Eso de dibujar líneas finas con la regla es cosa también a enseñar en los primeros momentos de la formación en diseño.

4. ESTADO DE ANIMO PARA LINEAS CONTINUAS

Para hacer líneas continuas sobre el papel y hacerlas bien, se requiere de un estado de ánimo especial que tiene que ver con la calma y la tranquilidad. Nada de nervios ni agarrotamiento. Es bueno prestar atención a la posición de la propia mano y a la forma de coger el lápiz o rotulador. Separarse del papel e ir cogiendo poco a poco seguridad en el trazo. Se trata de un tipo de ejercicio que muchos alumnos no han practicado nunca en los colegios de enseñanzas generalistas y que es importante hacer al comienzo de los estudios de diseño. Coger un folio y hacer una sola línea que lo divida por la mitad. Luego cada mitad en otra mitad y así hasta conseguir las paralelas más cercanas. Y luego hacer el ejercicio en la otra dirección.

3. TRES TIPOS DE LINEA, TRES TIPOS DE LETRA

De cara a entender los distintos tipos de dibujo necesarios para ser diseñador resulta muy didáctico asociarlo a los tres tipos de letra.

1) Hablamos LINEA EXPRESIVA O GESTUAL, como la más natural o próxima a la capacidad del alumno. Normalmente es una línea dubitativa, que va de menos a más intensidad o que se va creando con trazos sucesivos y aproximativos. En su carácter gestual tiene relación directa con la CALIGRAFIA ESPONTANEA del propio alumno.

2) Hablamos de LINEA CONTINUA, LINEA CLARA o LINEA DE CROQUIS, aquella que realizamos a mano alzada con un único trazo, sin levantar el lápiz del papel, y que produce intersecciones limpias y susceptibles de acotar. La escritura que corresponde a este tipo de línea es la ROTULACION a mano alzada hecha entre pautas lineales.

3) Por último hablaremos de las LINEAS PERFECTAS hechas con el apoyo de pequeñas herramientas tales como reglas, plantillas y compases, o mediante potentes máquinas, como los ordenadores. A los dibujos hechos con este tipo de líneas le corresponde la escritura en letra de molde que llamamos TIPOGRAFIAS

2. CONTAR LO QUE SE HACE

Una de las cosas en las que más fallamos con los alumnos es no enseñarles a exponer sus trabajos. Eso se tiene que acabar cuanto antes. Desde ya. Hay que exigirles que cuenten lo que hacen en todos los niveles, pero especialmente en segundo curso donde tienen que ser muy conscientes de la fase del proyecto en que se encuentran.

1. ETAPA INTERMEDIA

El aprendizaje de un oficio es una etapa intermedia entre la enseñanza general y el trabajo, y así hay que decírselo a los alumnos el primer día.

Cierto que hay profesores, digamos que "profesionales de la enseñanza", que pasaron directamente de ser alumnos a ser profesores y que nunca trabajaron en el oficio para el que están enseñando, por lo que lógicamente suelen dar sus clases más pensando en la materia que imparten que en el oficio que enseñan. Pero hay otros que vinimos a dar clase después de trabajar en este oficio y que tenemos una visión real del mismo, por lo que sabemos mejor que nadie cuáles son los conocimientos esenciales que se necesita para ejercerlo y cuáles son superfluos.

Antiguamente, es decir, antes de la institucionalización de la enseñanza, los oficios no se aprendían en las escuelas sino en el mismo puesto de trabajo. Y en el caso de oficios menores, aún sigue sucediendo así. Nadie va a una escuela a aprender a barrer, y en el caso de los cocineros, por ejemplo, hasta hace cuatro días todavía aprendían el oficio entre los fogones y no en una escuela de hostelería.

El proceso de llevar los oficios a las escuelas empieza en la Ilustración y ya no se detiene. La mayor parte de los diseñadores en activo de este país aún vienen de otras especialidades, han aprendido diseño con gentes que trabajan más o menos en ello, o son autodidactas. Como quien dice, el aprendizaje del diseño acaba de llegar a las Escuelas, o por decirlo solemnemente, a la Universidad. Y como es fácil de imaginar, lo empiezan a dar gentes que no trabajan como diseñadores ni nunca lo han hecho.

Para que esa "etapa intermedia" sea real y efectiva, para que la enseñanza de un oficio sea auténtica y no una mera acumulación de saberes y destrezas descoordinadas, debemos hacer que las aulas de proyectos y toda la actividad y actitudes que se den en ellas se parezcan lo más posible a lugares de trabajo y no a "clases".