71. DEL PODER DECORATIVO DEL POP

En primer curso de Diseño de Interiores y en alguna que otra pequeña lección de este blog (como por ejemplo la NUEVE) he insistido en las grandes posibilidades decorativas de la pintura abstracta y de su relativa facilidad de creación y ejecución.
 
En este primer año de la implantación de los estudios de grado en Tercero de Diseño de Interiores hemos trabajado sobre las posibilidades decorativas de la pintura pop, igualmente sencilla en cuanto a concepción y ejecución, y muy ligada a los aspectos gráficos y publicitarios de los propios locales comerciales que los alumnos tienen que decorar.

Ya en los cursos de Fundamentos de Diseño trabajamos mucho en esta Escuela en los métodos de dibujo de silueta y reducción a blancos y negros con los que los alumnos extraen de su entrono algunas imágenes potentes que pudieran ser el sustrato de experiencias plásticas cercanas a lo que entendemos como pop:

Tampoco estuvo de más el repasar algunas de las creaciones o autores más representativos de los años pop, como Warhol, Lichtenstein, Richard Hamilton, Hockney, o a caballo entre el arte y el diseño gráfico, a Milton Glaser.

Se propuso que la experiencia tuviera algún tipo de relación con el bar que los alumnos están diseñando, y de ese modo, Iñigo García (en la imagen que abre esta pequeña lección) parece que se inspiró compositivamente en la famosa silueta de Glaser para Dylan, aunque introdujo una interesante textura gráfica con el nombre que tiene pensado darle a su bar.

Patrica Orden tuvo el acierto de reinterpretar las famosas planchas de impresión en colores con un icono de máxima potencia en estos momentos y en este país, y con una técnica, el collage, no muy usada en el pop. Los desdibujos logrados con las distintas interacciones de color tienen un notable interés, aunque no sé muy bien si esta creación tendrá fácil asiento en la discoteca que está proyectando.

La alumna Erasmus Paulina Ignacok, de Polonia, usando recursos más próximos al dibujo o a la pintura que a las técnicas reductivas del pop, parece hacer hincapié en la importancia de Gran Bretaña y el mundo anglosajon en la iconografía pop, hasta el punto de que su bandera, su reina o el producto estrella norteamericano, pueden llegar a fundirse en una composición triangular. Seguro que a los clientes alternativos de LA JALA, el bar de la travesía de Santiago que está redecorando, les va a gustar mucho.

Cuando vi de cerca y escorado el trabajo de Igor Iruetaguena pensé que había hecho una composición abstracta más que un trabajo pop, pero al ponerlo horizontal en la pared pude entender que se trataba de la cara de una sardina, el producto estrella del bar en el que está trabajando.

No es cosa de poner los veinte trabajos presentados, porque esto es solo una PEQUEÑA LECCION y no una clase ordinaria del curso. Lo importante es dejar constancia de que observando atentamente las cosas y extrayendo de ellas iconos potentes mediante dibujos sencillos, sus posibilidades decorativas resultan más que evidentes.

La siguiente experiencia es jugar con la escala de esas pinturas hasta alcanzar la simbiosis con los espacios que pretenden decorar. Pero eso es ya otra historia que si hay salud y suerte podremos ver más adelante.

70. DEL CASTIGO COMO RECURSO PEDAGOGICO

Vino Carles Riart a la Escuela, y demostró una vez más que es un genio. O que en esto del diseño está tocado por el dedo de la gracia. Muchos han intentado hacer muebles en los límites con la escultura, pero por lo general no han salido más que ocurrencias que han cansado enseguida. A simple vista, algunos objetos de Riart podrían parecer igualmente diseños postmodernos, pero a poco que nos pongamos a analizarlos vemos que son atemporales, que son verdaderas obras de arte. Carles no cuenta de ellos ni un diez por ciento, y ni siquiera los muestra con buenas imágenes. Pero es igual, porque sus diseños tienen tal carácter que se abren camino para el observador mínimamente avezado y le llegan de inmediato a lo más profundo de su sensibilidad.

Pero no es la conferencia el motivo de esta lección. Sino la idea de CASTIGO: porque después de decirles en clase y por escrito que la conferencia de Carles Riart en la Escuela era sin duda el acontecimiento más importante del cuatrimestre, sólo un alumno de Tercero de Interiores estuvo en la conferencia. ¿Qué puede hacer un profesor cuando esto sucede? ¿Castigar a los alumnos? ¿Tirar la toalla? ¿Castigar a los alumnos tirando la toalla?

¿Tiene el castigo en estos tiempos algún valor pedagógico? ¿Lo tienen acaso los suspensos o como se dice ahora, la no concesión de los créditos? ¿Qué tipo de castigo les podría poner a los alumnos de Tercero de Interiores por no hacerme caso en asunto tan importante? ¿Tengo como profesor la opción de dimitir? ¿De no darles clase durante un mes, que es lo que me pide el cuerpo?

Seguramente no tengo esa opción. Al profesor de estos tiempos no le queda otra que la PACIENCIA. Y acaso la resignación ante un modelo de enseñanza donde la idea del aprendizaje del oficio como DISCIPLINA parece haberse venido abajo.

Sólo puedo decir a los alumnos que ESTAN CASTIGADOS. Pero aparte de decirlo aquí y de exponerlo a la vergüenza pública, no tengo ni idea del castigo que podría ponerles.

69. CARLES RIART

El jueves 22 de diciembre a las 20:00 vuelve Carles Riart a la Escuela Superior de Diseño de Logroño a estar un rato con nosotros. Y digo volver porque ya estuvo aquí en unas Jornadas de Diseño. Las últimas organizadas por Javier Dulín. ¡Cielos! ¡Cuánto tiempo ha pasado! Fue en el 2004, ¿quién lo hubiera dicho? porque le recuerdo como si fuera ayer. Seguramente porque tengo el diseño de su silla para Amat tan presente en mi memoria que no pasa el tiempo por ella.

Aunque Carles Riart viene dentro del ciclo de los Jueves de Diseño invitado por la Ader, coincide su visita con la Project Week dedicada este año a desarrollar algún trabajo desde el concepto de la mímesis. No podía haber mejor ocasión por tanto para poner la foto de Ramon Masats que siempre relacioné con esta silla.

Tras la visita de Carles Riart del 2004 escribí una nota para el librito de las Jornadas que también salió publicada en elhAll n 80 del Colegio de Arquitectos de La Rioja. Os la copio y pego aquí para que no tengáis que buscarla. Espero que nadie falte a la cita.

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"No sé si está bien enamorarse de una silla o ver en ella evocaciones de una bella mujer, pero en todo caso no seré yo el primero en decirlo. Preguntado Mariscal por su silla preferida (vease monográfico de rev ARDI sobre la silla), no dudó en responder que la hormiga de Jacobsen, pues veía siempre en ella un buen culo redondo y un estupento busto con una cintura de avispa entre medio. En mi caso tengo que decir que la silla de Carlos Riart para el piso de Fernando Amat en la Casa Milá me cautivó desde que la vi por la perfección de sus rasgos y por las modosas proporciones de su "dos piezas".

De todos modos a mis alumnos no les digo nunca eso (no hay que mentar nuestros gustos ni hablar de sexo en público), sino que cada vez que les enseño en diapositiva la silla de Riart explico, para su asombro, que el diseño no consiste siempre en andar buscando "ideas" maravillosas con las que sorprender a la gente, sino que también es coger una idea muy normalita y ponerse a ajustarla y perfeccionarla. El diseño no sólo está en el boceto sino en su desarrollo.

Y también la belleza. De eso saben mucho los maquilladores o los cirujanos plásticos. No es cosa de inventarse una nueva mujer sino de coger las que hay y estirarles un poquito de aquí o quitarles un poquito de allá. ¡Ay! pero estoy hablando de mujeres otra vez... Volvamos a la silla Amat: ese pequeño movimiento de la pata trasera, ese trazado perfecto y armonioso de los cuatro apoyos, esas dimensiones del tapizado, esas curvitas de las esquinas...mmmmm ¡eso es una silla! Y en cuanto a sillones lo mismo: veáse el que diseñó para un despacho del palacio de la Virreina.

Aquí hablamos en masculino, de rasgos robustos (sobre los que entiendo algo menos) pero de la misma idea de lo que es el diseño. Y para robusto, el sofá del mismo proyecto de La Virreina.

Según nos contó en la Escuela, en la cuarta conferencia de estas espléndidas X Jornadas de Diseño, Riart siempre ha ido a contracorriente de los tiempos, así que cuenta por fracasos lo que son extemporáneas genialidades. Empezó en los sesenta haciendo propuestas de muebles racionales y baratos a tanta distancia de la Bauhaus de los veinte como de los Ikea del dos mil. En los setenta, cuando todo el mundo abrazó las extravagancias formales de la postmodernidad, Riart se refugió en el diseño de la perfección formal y la ejecución de ebanista. Y en los últimos años, en un mundo donde la alta costura está a punto de desaparecer, se dedica a hacer muebles de encargo y a medida con un toque de glamour que bien podría llamarse "alta costura del mueble".

Fue una pena que en su conferencia no nos enseñara apenas nada de esta última etapa, aunque en una charla reciente de Pep Cortés para la Ader pudimos ver algunos de los muebles que le había hecho al tenor José Carreras para su casa. "No tengo fotos de lo que he hecho del noventa y dos para aquí, -nos dijo con la tranquilidad que da el estar seguro de lo que uno hace y de la falta de interés por venderse.

Para venderse ya tuvo ocación y no lo hizo. Knoll quiso ficharle y llevárselo a Nueva York pero Riart se agarró a su tierra. De aquel desencuentro, sin embargo, nació la deliciosa mecedora que completa las ilustraciones de esta breve reseña".

68. PUNK

El punk nos pilló en España a contrapié. En 1977 estábamos intentando construir este país. Tras tres años de guerra y treinta y seis de dictadura lo que importaba entre nosotros era el pacto, la democracia y el entendimiento; cerrar viejas heridas. Los mensajes del punk, la exploración de los límites en la protesta y en la forma de vivir la juventud, nos parecían de otra galaxia. A modo de anécdota  de aquellos días, me acuerdo de que un amigo, al ver unos punkys en Bilbao nos dijo en plan de broma si no les pagaban las discográficas por ir vestidos así.

Sin embargo, cuando a comienzos de los noventa se hizo una fiesta en la sala de exposiciones de esta misma Escuela en la que los alumnos habían preparado escenificaciones y disfraces de grupos musicales, entre folclóricas o remedos pop hubo un grupo de chicos que hizo una perfomance de Sex Pistols y recuerdo que yo me quedé profundamente impresionado del entusiasmo con que vibró la gente. A comienzos de los noventa, cuando yo empezaba con la onda del jazz, los alumnos de esta Escuela sabían lo que era el punk, conocían sus mitos, y entendían su simbología.

Pero... cuando les pregunté a los alumnos de Tercero de Interiores de este curso 2012 2013 qué sabían del punk, me pusieron cara de poker ¿Punk? mmm, ¿Punk? pues.. emmmm...

Azares del destino, les puse el documental THE FUTURE IS UNWRITTEN sobre la vida de Joe Strummer, líder de THE CLASH, justo en la víspera de la Huelga General del 14 de Noviembre, por lo que los mensajes de denuncia, la politización de la música juvenil, las letras de las canciones y los análisis que hacían sus compañeros cuando se rodó esta película al poco de su muerte, nos parecieron de absoluta actualidad. Así empieza la película:

Me pregunto si los jóvenes de hoy no son sino unos devotos de la religión de la letra de esa canción de Joe Strummer que he puesto arriba. Una forma de información fragmentada, la televisión, en la que seguro que habrán echado también el documental de Joe Strummer entre anuncios de colonia para navidad y detergentes que lavan más limpio. Me pregunto también si una música algo más convincente y comprometida que la que actualmente escuchan no les podría proporcionar un poco más de energía, de cohesión y de profundidad.

No sé las respuestas a estas cuestiones pero un documento tan impresionante como esta película debería de estar presente en los planes de estudios. En realidad yo la he conseguido gracias a las descargas de internet, esas que según se rumorea en estos días, quieren cerrar con una nueva ley nuestro propio Ministro de Educación, Sr. Wert, y su Director General de Cultura, Sr. Lassalle. Espero, que a cambio, la compren legalmente y nos envíen copias a todos los centros de educación.

(Por cierto, en la clase del 13 de noviembre sólo vimos la primera hora. Nos faltan por ver los años de maduración de Joe y su época con The Mescaleros. Pero esa es otra historia).

67. HABLA CON EL

O mejor dicho, escúchale.

No, no es a tu pareja a quien me refiero (como en HABLE CON ELLA, la célebre película de Almodóvar, que por cierto, yo aún no he visto) sino al local: hablar con el local, escuchar atentamente lo que te dice.

Llevo años asistiendo a las presentaciones de los Proyectos Finales y siempre he observado que los alumnos apenas dedican un segundo a presentar el local en el que van a actuar, casi nunca enseñan una planta del espacio vacío del mismo, ni un dibujo del entorno (las tiendas de al lado, la casa que tienen encima), y ¡¡¡ni siquiera fotos!!! Y si ni siquiera lo presentan, como para esperar que lo analicen... Por no saber de él, hasta suelen ignorar cuánto mide. Y ya no digamos... ¡cuánto cuesta! ¿Cuántas veces no hemos visto proyectos absolutamente demenciales donde el uso (una tetería étnica por ejemplo) no encajaba para nada con las condiciones del lugar (la mejor esquina del Espolón)? ¿Puede haber peor comienzo para un trabajo de diseño que no saber si el lugar y el uso encajan bien?)

Bueno, pues eso se tiene que acabar de una vez por todas. Lo primero que tiene que hacer un alumno de Diseño de Interiores de la Escuela de Logroño al presentar un proyecto es saber hablar (¡cuando menos cinco minutos!) del local, de su posición en la ciudad, de su importancia, de sus defectos, de sus virtudes, de sus posibilidades, de sus ejes, de su luz, ... y hasta del destino. Mostrar dibujos de cómo lo encontró (plantas, secciones, perspectivas), fotografías de los detalles del local y de su entorno, valoraciones de sus espacios y de sus paramentos, comparaciones con otros locales, lo que le sugiere antes de empezar, etc etc.

Muchas fotos y dibujos del local antes de poner nuestras manos sobre él (!!!).